Conferencia Steve Paxton (fragmentos) - Rosario - 6/11/1999

“Pienso que este final de siglo, siglo XX, es un momento extraordinario para la historia de la danza porque el final del siglo XX vio el comienzo de un período de viajes por todo el mundo”.


“Ha sido un siglo de la danza moderna, la danza moderna era una idea nueva 100 años atrás, creo que ha sido una idea que ha salido bastante buena en el sentido que ahora tenemos nuevas técnicas con nuevas ideas sobre coreografías muy distintas de su padre el ballet. Al mismo tiempo, las artes marciales estuvieron viniendo desde el Este…el yoga. Es un período donde hay pensamiento sobre la filosofía del movimiento en gran profundidad y que no han estado al alcance de la raza humana hasta ahora”.

“Durante los 60 las coreografías eran caminar, estar parado y sentarme, no tenía una crítica muy buena. En los comienzos de los 70 decidí empezar a mirar la improvisación, no sabía lo que realmente la palabra significaba en danza, comencé a definirla en varias formas. Trabajé en esto y traté de desarrollar varias formas de enseñarlo y otras 17 personas empezaron a desarrollarla como una forma de danza llamada Contact Improvisación. Es como una trama de danza que está en todo el mundo, comenzó junto con la Internet y tiene los mismos principios básicos. Es algo que la gente hace porque quiere, no tiene ningún gobierno, tiene que ver con prácticas con otra persona y usa una de las cosas para las cuales los dúos de improvisación son muy buenos, son mejores, como en una conversación, como en un juego, como en estar juntos. Cada persona da algo, provee algo para que la otra persona pueda responder”.

“Lo importante del contact es ese tipo de improvisación que ocurre cuando dos personas se están tocando, y las dos están tratando de seguir la energía del otro. Ninguno de los dos está en control de la situación, pero si los dos están fluyendo con los eventos que ocurren pareciera que hay momentos en los que aparece una tercera entidad y controla la danza. Hay una sinergia entre ellos, es como si la danza misma apareciera y naciera, no siendo la responsabilidad de uno u otro tomar la iniciativa”.

“Una de las cosas que hace interesante para mi el contact es que se ha convertido en algo útil para la gente con discapacidades o gente que no son bailarines, funciona muy bien para borrar las barreras entre el cuerpo capacitado y discapacitado”.

“El lenguaje es un medio, un medio es una abstracción de la experiencia de la gente, están tratando de expresar lo que ven desde su punto de vista, no sólo en el momento sino a través del tiempo. Pero los medios, las artes, no contienen la experiencia realmente, la comunicación con palabras es cuando una persona está expresando algo que le ocurrió pero no es la experiencia en el momento”.

“El cuerpo de un bailarín durante una clase técnica está tratando de recuperar su potencial de la increíble opresión resultante de haber vivido en una ciudad con ciertas reglas culturales”.

Entrevista

COBAI, busca compartir palabras, frases, intereses , imágenes y otras tantas cosas que surgen de las palabras de artistas oriundos de todos lados. Una forma de aprendizaje virtual y una manera de difusión de tantas ideas que andan viajando por allí desparramadas. Inaugurando este espacio Saeed Pezeshki: actor, bailarín, acróbata mexicano en Buenos Aires.

Las puertas de calle Bulnes se abren, el contexto es similar a las demás casas de artistas que uno visita en la Capital Federal: mucho sahumerio, mucha gente que viene y va, no se entiende quienes viven, quienes están de paso, tampoco parece importar. Las charlas también generalmente son las mismas:"¿van hoy a la función de las 11??", y uno se queda pensando en que hoy es LUNES. Evidentemente la ciudad de las luces no descansa. Estamos en la casa de Saeed, (al menos su actual casa), mi amigo Mauri, está algo atareado arreglando horarios y demás vicisitudes del galpón del Ruock local. Saeed aparece en la cocina, se disculpa por no saber cebar bien los mates. Parece algo así como un niño envuelto en otro cuerpo, en otra mente, en otra capacidad de entendimiento; a los 22 años ya realizó la carrera de teatro, la escuela de circo, incursionó en la danza Butoh, y hasta pasó por el violín. Buenos aires lo atrapó casi por casualidad y optó por quedarse.


Empezamos hablando sobre los entrenamientos porteños en el circo criollo y sobre el VI Festival de Teatro Internacional. "Tenía entradas para la obra de Holanda y la de Japón (me comenta), pero este finde estoy allá (por el seminario que dictará en Rosario). "Realmente "Kagemi" (Obra de Butoh de Sankai juko en el festival) pienso que vale la pena, es muy fuerte, muy densa (...), cuando Kazuo Onho (referente y fuente viva de la danza butoh) muera, el Butoh va a desaparecer. No es como otras técnicas tan fácilmente transmisibles, uno puede tomar determinadas cosas acerca del entrenamiento, pero es algo muy especial, muy diferente es una danza de refugio, de defensa, de orgullo."

_mmm, explícame un poco esto; vos decís Butoh y a mi me vienen como flashes: Hiroshima, cuerpos deformes, lugares introspectivos, desconocidos, incómodos, y por otro lado el circo: la acrobacia, lo bello, el virtuosismo, la alegría, ¿Qué clase de torta sale de esta mezcla?, ¿cómo se da esta vinculación en la búsqueda de tu lenguaje?

(Risas) "Es que para mi esos serían como dos extremos, dos lugares a los que uno tiene que tender a ir y volver. El ser humano no es alegría plena o decepción total. La idea es tomar algunos principios del Butoh. El error mas común en la forma en que occidente plantea las cosas, es partir desde la forma. Por otro lado, para mi estos dos entrenamientos tienen algo en común que es el rigor físico, la diferencia estaría en que en el Butoh, es para "adentro" y en lo acrobático es "para afuera".

_Me llama un poco la atención esto "del riesgo", en el último espectáculo de circo que vi, mi comentario al abandonar la sala fue: "acá no hay riesgo". No el riesgo de hacer un triple mortal plancha y matarte, sino otra cosa milagrosamente inexplicable; nadie me incluyó a mi como espectadora, nadie me hizo parte de eso, los chicos eran alucinantes pero ni miraban a la gente.

"Claro y por ahí va enfocado mi proyecto. El riesgo es un principio de movimiento. Para mi el riesgo tiene que ver con la vulnerabilidad. En México estuve trabajando con gente con grandes problemas físicos: no videntes, paralíticos, y a diferencia de lo que se cree "no lo toques tanto, no esto no, aquello tampoco", resultó ser todo lo contrario. Esta retrograda idea de que los trabajos con gente con discapacidad tienen que ser lindos, "vistámoslos de duendes". El riesgo tiene que ver con "la entrega", con lo desconocido, por eso me interesa trabajar con grupos mixtos; es riesgo que un bailarín tenga que decir un texto, que un actor deba moverse, ..."eso que me estás diciendo, dímelo moviéndote". Allí aparecen otras cosas, los actores están viciados con una manera de hablar determinada . Tal vez en la obra ,en el resultado final, eso, no se vea de manera tan clara, pero es distinto cuando en el proceso se arriesgan cosas a cuando no. Es interesante volver a los orígenes. En todas las tragedias griegas hay un riesgo del personaje inminente: Antígona está en riesgo todo el tiempo, Medea provoca el riesgo, mmm… como decirlo, "asesino a mis hijos para que no se los lleve el padre". Todo esto es concreto y a su vez está muy ligado a la metáfora, para ellos es muy real que los dioses miran, que hay un oráculo que guía su destino, y el puente de estas dos cosas es el vacío que seria la introspección de cada personaje".

Daría la impresión que en el circo el virtuosismo como eje, aleja: "guauu jamás podría hacer eso", la maravilla es de alguna forma inhumana.
(Risas) Claro.
_Sigamos con esta exótica mezcla, ¿cómo esta enfocada tu búsqueda?, ¿cómo se conectan el teatro de objetos, la tela, el teatro-danza, el Butoh? Esta concepción espacial que vos decís: lo concreto/el vacío/la metáfora.

(Saeed saca una carpeta tamaño oficio y se pone a explicarme su trabajo de manera efusiva.)

"La idea es: tenemos lo concreto es decir el suelo, tenemos el vacío es decir el aire, y tenemos la metáfora es decir el techo del teatro o el cielo. Estos serían dos referentes. Siempre hay una metáfora y siempre hay algo concreto. Aquí aparece esta estructura dramática aristotélica de decir: ok en todo hay una propuesta, en todo un conflicto y un desenlace, tiene que ver con contar historias.
Tiene que ver con la idea de la "suspensión". La idea es habilitar otro canal; el aéreo. Que si tu como bailarina quieres montar una coreografía en una escalera puedas hacerlo. Hay que saber que eso no es así nomás, tiene todo un entrenamiento físico importante, saber que si tu en una improvisación quieres quedarte colgado tres horas tratando de alcanzar una ventana, puedas hacerlo. Mi propuesta es dominar bien lo concreto, es decir el piso antes de pasar al aparato (en México aparato serían la tela, trapecio demás adminículos). El aparato ya incorpora la metáfora, está agarrado de algo.
La tela para mi es muy útil para abrir ese espacio, es un punto que se conecta con otro a través de una tela que atraviesa ese vacío".

Después vienen estos debates, acerca de la técnica, la ruptura de la misma, la forma de aprendizaje y transmisión de conocimiento, del Teatro del Absurdo, de la trascendencia del dolor en arte. "(...) duele menos cuando te ríes de algo que te daña, el teatro del absurdo es un concepto mágico para mi."

Actualmente Saeed se encuentra tomando clases de francés y de clásico, dando clases de tela, armando un espectáculo Homenaje a Pessoa con teatro, circo, texto y proyecciones en el Espacio Callejón .Y esperando la respuesta de una propuesta que, para no quemarlo, no diremos nada.
_ Acá, allá o en el Congo Belga? (Risas)
"Acá, yo me veo acá".
_En esta ciudad el tiempo vuela más que de costumbre.
"Buen viaje, hasta Rosario".